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Unter
seinen Studienkollegen im Manchester der mittleren 50er waren einige, mit
denen er seinen Enthusiasmus für Neue Musik teilen konnte: die
Komponisten Alexander Goehr und Harrison Birtwistle, der Trompeter und
Dirigent Elgar Howarth, und der Pianist John Ogdon. Sie dürften sich
gegenseitig mehr beigebracht haben, als sie von den Professoren lernten,
und sie widmeten sich mit ganzer Kraft dem, was nicht auf dem Lehrplan
stand: die neue Europäische Avantgarde (Stockhausen, Boulez, Nono),
mittelalterliche Musik und Indische Musik. Für seine Kollegen in
Manchester schrieb Davies seine ersten publizierten Kompositionen,
darunter seine "Sonata for Trumpet" (1955) und "Five Pieces
for Piano" (1956), die ihm nationale Anerkennung brachten, als er
noch in seinen 20ern war.
1957
ging er nach Rom, wo er bei Goffredo Petrassi studierte, und wo er sein
erstes Orchesterstück produzierte, "Prolation" (1958). Nach
England kehrte er 1959 zurück, und nahm eine Anstellung als Musikdirektor
an der Cirencester Grammar School an, wobei er ein lebenslanges Interesse
für Musikerziehung begann. Dies zeigte sich zuerst in seinen weithin
beachteten Versuchen, die Schulmusik kreativer zu machen, und dann auch in
der Musik, die er für Cirencester schrieb, darunter "Five Klee
Pictures" für Orchester und "O Magnum Mysterium" für Chor
und Instrumente. Er gab der Schule viel, und er erhielt viel zurück, da
die Erfahrung, direkt mit den Ausführenden zu arbeiten, ihn dazu brachte,
die enorme Komplexität, die er ihn Partituren wie "Prolation"
entwickelt hatte, nochmals zu überprüfen. Weiters kam er in Kontakt mit
Monteverdis Vesper aus dem Jahr 1610, die er für ein Cirencester-Konzert
1961 erarbeitete, was ihn dazu bewegte, einige der Texturen und Prozesse
dieses Werks in eigenen Kompositionen zu erforschen.
Aber
dies war kein völlig neuer Anfang. Seine Musik erforschte von Anfang an
die Lektion, die er in Manchester lernte, nämlich dass es Beziehungen
zwischen dem neuen Europäischen Serialismus und den konstruktiven
Methoden von Mittelalter-, Renaissance- oder Barockkomponisten gibt. Die
Aufgabe war, von beiden zu lernen, und gleichzeitig darauf zu achten, was
inzwischen passiert war: die Blüte der westlichen Tradition, teilweise
repräsentiert durch die Geschichte der Symphonie, von Haydn bis Mahler
und Sibelius. Es war eine Aufgabe, die ihn den langen Weg von seiner
"Sinfonia" für Kammerorchester (eines seiner von Monteverdi
beeinflußten Werke, geschrieben 1962) bis zum Beginn seiner eigenen
symphonischen Reise mit seiner "First Symphony" (1973-1976), und
bestimmt noch weiter, beschäftigte.
Inzwischen
gab es auch andere Wege zu erforschen. Durch seine Studien früher
Englischer Musik kam er zu John Taverner, dessen Musik vielleicht die
erstaunlichste Errungenschaft der großen Spätzeit der katholischen
Polyphonie in England unter Heinrich VIII. war, und dessen Leben eine
originelle Geschichte mit starken aktuellen Bezügen darstellte. Der
Geschichte folgend (teilweise unglaubwürdig, obwohl uns die Fakten nicht
berühren sollen), soll Taverner zur Zeit der englischen Reformation das
Komponieren aufgegeben haben, um ein Protestantischer Eiferer zu werden.
Davies hatte den Inhalt seiner ersten Oper gefunden. 1962 schrieb er sein
erstes Werk für die Proms, "First Fantasia on an In Nomine of John
Taverner", dann ging er für zwei Jahre an die Universität von
Princeton in New Jersey, wo er am Libretto von "Taverner" und an
diesbezüglichem musikalischem Material in "Second Fantasia" und
einigen der "Seven In Nomine" arbeitete. Das originale "In
Nomine" ist ein Ausschnitt einer Messe von Taverner, ein Ausschnitt,
der eine Flut von Imitationen und Bearbeitungen im folgenden Jahrhundert
bis Purcell hervorrief. Davies' Beträge zu diesem Repertoire - die zwei
Orchesterfantasien, die "Seven In Nomine" für 5 Bläser, Harfe
und Streichquartett, und die Oper "Taverner" - repräsentieren
einen Handschlag, über die Jahrhunderte hinweg, mit der älteren
englischen Tradition, und gleichzeitig brachten sie den Komponisten zu
entschieden modernem Territorium, wie etwa Autorität zu hinterfragen,
Extreme anzusteuern, Druck auf den Punkt - und weiter - auszuüben, wo
Entwicklung zum Rückschritt wird, wo Imitation zum Mißbrauch wird. Die
zweite Fantasia im speziellen hat etwas von der Atmosphäre einer Mahler
Symphonie.
Als
Davies daran ging, seine Oper zu vollenden (was ihn bis 1968 beschäftigte),
brachte seine Erforschung des Rückschritts und Mißbrauchs ein Auftreten
der Parodie in seiner Musik. Themen der Gregorianik (das Motiv von
Taverners In Nomine, und auch Motiv von fast allem was Davies geschrieben
hat) konnten in avancierter Polyphonie aufgenommen werden um sich dann plötzlich
in einen Foxtrott zu verwandeln. Schoenberg konnte mit Lehar
zusammengebracht werden (in "Revelation and Fall"). Die Passion
Jesu Christi (in "Vesalii Icones") konnte als einfaches Ballett
gezeigt werden. Zur selben Zeit begann Davies, viel produktiver zu
schreiben, und mit der Gründung der "Pierrot Players"
(gemeinsam mit Harrison Birtwistle) - im Jahre 1967, als er von einem Jahr
an der Universität von Adelaide zurückkehrte - hatte er ein Ensemble, für
das er schreiben konnte.
Die
"Pierrot Players" (1971 neu benannt in "The Fires of
London") bestanden aus jenen sechs Musikern, die man benötigt, um
Schoenbergs "Pierrot lunaire" aufzuführen, plus einem
Percussionisten, und Davies schrieb Dutzende Partituren für sie:
Theaterstücke (beginnend bei "Vesalii Icones" und "Eight
Songs for a Mad King"), Liederzyklen ("From Stone to
Thorn", "The Blind Fiddler"), gewichtigen Kammermusikwerken
("Ave Maris Stella") und Dialogen mit Alter Musik über eine
Reihe einfacher Transkriptionen (J.S.Bach: Zwei Präludien und Fugen) bis
zu gänzlicher Parodie (Purcell: Fantasia und Zwei Pavanen). Aber das
Ensemble war niemals eine Davies-Maschine. In den ersten Jahren teilte er
die Verantwortung mit Birtwistle, und in der langjährigen Existenz
ermutigte er immer wieder andere, vor allem jüngere Komponisten, für das
Ensemble zu schreiben, und oft dirigierte er deren Musik neben der seinen.
Es gab viel zu tun, aber, so wie in Cirencester, Davies schritt weiter
voran. Vielleicht am wichtigsten war, daß er an Stabilität in seinem
kompositorischen Schaffen jener Periode, die von der fast hysterischen
Stimme in "Revelation and Fall" bis zur Stille (mit dunklen
Untertönen) von "The Blind Fiddler" reichte, gewann.
Die
Gewalt in seinen Werken dauerte etwa von 1966 bis 1969 - den Jahren der
Fertigstellung von "Taverner", von "Revelation and
Fall", "Eight Songs" und "Vesalii Icones", des
"Foxtrott für Orchester" "St. Thomas Wake", und des
orchestralen Kolosses "Worldes Blis", das ein großer Versuch
der kreativen Selbsterneuerung zu einer Zeit alarmierender Desintegration
war. Wie der Komponist es beschrieb, war "Worldes Blis" eine
Reise zu einer musikalischen Landschaft der Ruhe, die er in der wirklichen
Landschaft der Orkneys realisiert fand, und seine Übersiedlung dorthin,
1971, stimmte mit dem Ende des Sturms in seiner Musik überein. Ohne
Zweifel schuldete der neue Frieden einiges der Landschaft und den Leuten
von Orkney; mit Sicherheit aber schuldete er einiges dem Orkadischen
Schriftsteller George Mackay Brown, dessen Verse und Novellen Davies'
hauptsächliche literarische Quelle für lange Zeit wurde; und explizit
schuldete er etwas der Beschäftigung mit allgemeiner schottischer
Musiktradition. Hatte Davies in den 60ern Kollaborateure aus der
Vergangenheit gesucht, die sehr oft Engländer waren (Taverner, Purcell,
Dunstable), so wendete er sich in den 70ern schottischen Ahnen in
Arrangements für "The Fires" wie den "Renaissance Scottish
Dances" und "Four Instrumental Motets" zu.
Davies'
Offenheit für Themen wie Verrücktheit, Perversion und Delirium hielt an,
aber sie verringerte sich, und die Verringerung kann an den Partituren
gemessen werden, die er für zwei Filme von Ken Russell ("The Devils"
und "The Boy Friend", beide 1971) schrieb, weiters an der
fesselnden "Masque" "Blind Man's Buff" (1972) und
"Miss Donnithorne's Maggot" (1974). Es war Zeit für einen neuen
Helden: nicht einen, der sein tiefstes Inneres verneint hatte,
wie der Opern-Taverner, sondern einen, der aufrecht blieb, und dafür
leiden mußte. Davies' zweite Oper, "The Martyrdom of St.
Magnus" (1976), erzählt die Geschichte eines Orkadischen Earls und
Pazifisten, und ist für eine relativ kleine Besetzung ausgelegt, so daß
sie in der Kathedrale, die in der Orkney-Hauptstadt Kirkwall zu Ehren des
Hl. Magnus errichtet wurde, als Hauptereignis des ersten St. Magnus
Festivals 1977 aufgeführt werden konnte.
Das
St. Magnus Festival, das seither als Hochsommer-Event besteht, stellte für
Davies eine Möglichkeit dar, den Bewohnern der Orkneys für ihre
Gastfreundschaft zu danken. Das Festival hat hervorragende Musiker auf die
Inseln gebracht, und seltene Möglichkeiten, große Orchester zu hören,
dazu kamen vermehrt Touristen, und es hat Davies ermutigt, sowohl
Chormusik für das örtliche Leben beizusteuern als auch Musik für
Schulkinder zu schreiben. Sein Gefühl für die öffentliche Verantwortung
eines Komponisten - begründet in Cirencester - blühte auf den Orkneys
auf, und zeigte sich nicht nur in einer Fülle von Musik, sondern auch in
Ansprachen, Interviews und Fernsehsendungen. All das wäre nicht möglich
gewesen, wenn er nicht ein adoptierter Orkadier, eine nationale, ja sogar
eine internationale Figur gewesen wäre.
Während
seiner ersten Jahre auf den Orkneys tourte er regelmäßig mit den "Fires
of London", vor allem durch Osteuropa, Australien und die Vereinigten
Staaten, und seine steigende Zahl an Orchesterwerken brachte ihm beständig
mehr Einladungen zu Dirigaten. Das erste Orchesterstück, das er auf Hoy
schrieb, war "Stone Litany" (1973), das auf der Vertonung von rätselhaften
Vikinger-Inschriften in der prähistorischen Gruft von Maes Howe, auf der
Hauptinsel der Orkney-Inseln, für Frauenstimmen basiert, und von einem
neuen Gefühl orchestralen Raums und Farbe, neuem Atem und Weite, und
einem neuen Sinn für Vogelrufe und Meereswogen erfüllt ist. Im selben
Jahr begann er an dem zu arbeiten, was seine erste Symphonie wurde, die er
1976 vollendete.
In
jener Zeit - als das Konzept der Avantgarde immer noch eine Bedeutung
hatte, und Maxwell Davies sich als Teil davon fühlte - war die
Erscheinung einer Symphonie von ihm erstaunlich, aber es gab eine logische
Entwicklung, eine Logik, die von seinem steigenden Vertrauen in
Orchestermusik angetrieben wurde, einem Glauben, der in früheren Werken
wie der zweiten "Taverner Fantasia" und "Worldes Blis"
ernsthaft geprüft aber beibehalten wurde, und verstärkt wird von der
neuen Skala und Reichweite seiner Harmonien, basierend auf gesteuerten
Kontroversen, die traditionelle Tonalität, die alten Modi der Gregorianik
und moderne Atonalität einbeziehen. Das Stück "Ave Maris
Stella" (1975) für "The Fires", seine erste große
abstrakte Komposition seit "Worldes Blis", erprobte die Lebensfähigkeit
seiner Harmonien, und war möglicherweise ein großer Schritt zur
Fertigstellung der Symphonie. Es ist auch bemerkenswert, wie weit er die Möglichkeiten
der Marimba (in "Ave Maris Stella" und den angeschlossenen
Bach-Arrangements) auslotete, da die Marimba in der Symphonie die Meeresdünung
darstellt.
Nachdem
er die erste Symphonie beendet hatte, bewegte sich Davies in noch
schnellerem Gang. Innerhalb der nächsten drei Jahre schrieb er "The
Martyrdom of St. Magnus", eine weitere abendfüllende Kammeroper
("The Lighthouse", eine Geistergeschichte), eine abendfüllende
Balletpartitur für Orchester ("Salome"), eine Kammersymphonie
("A Mirror of Whitening Light"), einen symphonischen
Liederzyklus ("Black Pentecoast"), eine Kinderoper ("The
Two Fiddlers"), eine Kantate ("Solstice of Light") und
verschiedene andere Sachen. Er war an einer geschäftigen Kreuzung in
seinem Leben angelangt, er schrieb immer noch für "The Fires" während
er sich zusehends auf das Orchester konzentrierte, er produzierte jährlich
etwas für das St. Magnus Festival während er internationale Aufträge
ausführte, er verfolgte parallele Karrieren als Komponist für kleine
Kinder und für erprobte Professionisten, und setzte seine psychologischen
Studien des Abnormalen fort, während er große symphonische Entwürfe
(oft alles im selben Stück) machte. Einer Kreuzung, von der er
offensichtlich nicht besonders berührt war. "The Fires" gaben
ihr letztes reguläres Konzert im Jahre 1987, aber, wie um dies zu
kompensieren, hatte Maxwell Davies bereits die Verbindung zum Scottish
Chamber Orchestra aufgenommen, bald gefolgt von ähnlichen Verbindungen
mit dem BBC Philharmonic und dem Royal Philharmonic, mit denen er jeweils
sowohl als Dirigent als auch als Komponist, auf Tourneen wie auch in Großbritannien,
gearbeitet hat.
Überblickt
man die hektischen letzten fünfzehn Jahre, so ist es vielleicht
hilfreich, den chronologischen Ablauf zu vernachlässigen und - nach und
nach - die verschiedenen Gebiete zu betrachten, auf denen Peter Maxwell
Davies gearbeitet hat. Speziell die Verbindung mit dem Scottish Chamber
Orchestra war sehr fruchtbar. Sie erlaubte ihm, sowohl seine
Orchestermeisterschaft als auch seine lange Vorliebe, für kleine Gruppen
von Kollegen zu schreiben, zu befriedigen, und sie brachte ihn in
erfrischenden und kreativen Kontakt mit den Symphonien und Konzerten von
Haydn und Mozart. Als erstes, im Jahre 1982, kam ein Triptychon, der aus
der "Sinfonia Concertante", "Into the Labyrinth"
(1983) mit Tenor solo zu Worten von George Mackay Brown und der "Sinfonietta
Accademica" (1983) bestand. Diesen Werken folgten, zwischen 1987 und
1995, eine Folge von zehn "Strathclyde Concertos" für Solisten
und Gruppen aus einer Besetzung des Orchesters des späten 18.
Jahrhunderts, mit einigen Möglichkeiten, die Mozart anerkannt haben würde
(Solo Oboe, Duo von Violine und Viola, Solo Fagott) und einigen, die ihn
wohl überrascht hätten (Duo von Horn und Trompete). Davies schrieb 1989
auch seine vierte Symphonie für das SCO. Alles zusammen zeigen diese
Werke die klassische Seite eines Komponisten, dessen Sympathien deutlicher
der Romantik, der Moderne und dem Mittelalter gehören, obwohl für ihn
das 18. Jahrhundert sowohl ein humorvolles und wildes, als auch ein
formelles Jahrhundert war. Das 18. Jahrhundert stellt ihm Raum für
Unzivilisiertheit und Extravaganz, Gelassenheit und Zeremonie zur Verfügung,
in den SCO-Werken soviel wie in "Eight Songs for a Mad King"
oder dem Ballett "Caroline Mathilde" (1990), das auf der
Geschichte der Schwester des verrückten Königs beruht.
Zur
selben Zeit gab es eine klassizistische Tendenz in Davies' Arbeiten für
großes Orchester, die sich in klarerer Harmonie, prägnanterer Form und
geschmeidigerer Textur ausdrückte. Die ersten dieser Anzeichen finden
sich in der zweiten Symphonie (1980), einer Auftragsarbeit für die
Hundertjahrfeier des Boston Symphony Orchestra; die dritte Symphonie
(1984) reduzierte das reichliche Schlagwerk der Vorgänger auf Pauken
alleine. Die Vierte ist - wie erwähnt - für kleinere Besetzung, die Fünfte
(1994) ist zwar wieder für großes Orchester, aber in kompakter,
ungebrochener Form. Das "Violin Concerto" (1985) paßt in diese
Phase der Zurückhaltung, lediglich das "Trumpet Concerto"
(1988) tut dies nicht: es ist ein virtuoses Stück mit Tumult und
meditativer Melodie. Die Vokalsymphonie "Black Pentecoast"
(1979), mit Mezzosopran- und Baritonsolo, zeigt Davies' ausdauernde
dramatische Vehemenz, bei dieser Gelegenheit durch die Aussicht auf
Uranabbau auf den Orkneys entflammt. Das Thema von Davies' Orchesterwerken
sollte nicht ohne die Erwähnung seines unterhaltenden "An Orkney
Wedding, with Sunrise" (1984) beendet werden.
Seine
Theaterarbeiten jener Periode beinhalten die beiden abendfüllenden
Ballette "Salome" und "Caroline Mathilde", beide für
die Choreographie durch Flemming Flindt geschrieben. (Ein anderes
Ballett-Projekt resultierte im choreographischen Poem "The Beltane
Fire".) Unter den Opern gibt es "The Lighthouse", ein klein
dimensioniertes Theaterstück für "The Fires" ("The No. 11
Bus", 1984), "Resurrection" (1987), die Realisierung einer
Idee aus den 60er Jahren, und "The Doctor of Myddfai" (1996), in
Auftrag gegeben von der Welsh National Opera. Sie ergeben eine breit gefächerte
Gruppe - genauer gesagt gar keine Gruppe - eher eine Sammlung sehr
unterschiedlicher und exzentrischer Individuen. In immer gleicher Weise
ist ihre Individualität ihr prinzipieller Inhalt, und es ist leicht -
vielleicht zu leicht - sie als versteckte Autobiographien zu verstehen.
Dies ist teilweise in "Resurrection" so, wo der stille Held das
Opfer von Zwängen, Erwartungen und Heuchelei aller Gesellschaftsschichten
wird, obwohl dieses Werk auch als Davies' Beitrag zur Debatte über
Erziehung gesehen werden kann.
Genau
dafür hat Peter Maxwell Davies in den letzten Jahren eine erkleckliche
Anzahl an Miniaturopern für Kinder ("Cinderella", "The
Rainbow" und verschiedene kleinere Stücke), Liederbücher,
Weihnachtslieder, Werke, die Kinder- oder Erwachsenenamateure mit
Professionisten aufführen können, und Instrumentalstücke geschrieben.
Es gab auch Instrumentalstücke für Erwachsene, wie z.B. Sonaten für
Klavier, Orgel und Gitarre.
Die
Ausdehnung, Vielzahl und Qualität seiner Leistungen liegt nunmehr gänzlich
auf der Hand, also kann diese Einführung beendet werden. Es bleibt nur zu
sagen, daß Peter Maxwell Davies ordnungsgemäß geehrt, 1981 zum "Commander
of the British Empire" ernannt wurde, und 1987 den Adelstitel
erhielt.
Übersetzung aus dem
Englischen von Stephan Bauernfeind, 1998
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